Nuestra ciudad tiene un vínculo innegable con el arte, en todas (o casi todas) sus expresiones. Muchas encuentran su espacio en el Carnaval, donde la danza, la música y lo performático se juntan con el talento de los carroceros, vestuaristas, maquilladores y mentes creativas que hacen posible este espectáculo que nos caracteriza. Pero la inquietud e identidad artística local también vive y se construye cada día en la gran cantidad de bandas locales, las academias de baile, tradiciones populares como los Corsos Matecito, certámenes estudiantiles como el Desfile de Carrozas o Gualeguaychú Joven, y las plazas en las que el freestyle rap (una rama de la cultura hip-hop) gana lugar entre la Generación Z.

Este último fenómeno convive con el revival que experimenta el folklore en todo el país, con audiencias jóvenes que lo redescubren a través de artistas como Abel Pintos, Nahuel Pennisi, Raly Barrionuevo, e incluso Milo J y Cazzu, que lo han fusionado dentro de su estilo moderno. En una era de consumos globalizados (a la par que cada vez más de nicho), lo urbano y lo folklórico llaman la atención dentro de la rica escena musical actual de la Argentina, de la que Gualeguaychú no es ajena.

Siendo la “ciudad de los poetas” el semillero de artistas que es, constantemente surgen o ganan visibilidad nuevos talentos locales, dentro y fuera de la música. En los últimos días, dos noticias lo pusieron de manifiesto. 

Por un lado, tres gualeguaychuenses (Lorenzo Fiorotto, Malena Almeida y César Cabeza) llegaron a la semifinal de “Es mi sueño”, el programa de talento y canto conducido por Guido Kaczka en El Trece, que cuenta con un jurado integrado por figuras como Abel Pintos, Jimena Barón, Joaquín Levinton y Natalie Pérez; Lorenzo, además, pasó a la final, que será el próximo martes 18. 

Por otra parte, Gualeguaychú fue escenario de una competencia de freestyle que ofició como única sede argentina para clasificar al Torneo de Plazas que organiza Red Bull en Perú, y su ganador fue un exponente local oriundo de Gualeguay apodado Kenta (K.N.T).

Ahora ElDía conversó con estas y otras voces destacadas para conocer cómo viven este momento especial en su trayectoria y cómo entienden la relación que tiene Gualeguaychú con la música y el arte.

Con una voz y carisma que han cautivado al jurado y público por igual, Lorenzo, de 13 años, expresó su alegría y entusiasmo por la gran experiencia que tuvo transitando cada una de las etapas que lo condujeron a la esperada final de “Es mi sueño”. “Me parece un concurso muy lindo, la experiencia es hermosa. A través de las etapas, los jurados me dieron lindas devoluciones que he aplicado a lo largo de toda la competencia. En la primera etapa me fue súper bien, fue una de las mejores presentaciones que he hecho. En la segunda, me había olvidado un poquito la letra, pero pude seguir bien y pasar a la tercera etapa, donde me fue re bien cantando “Sueña” de Luis Miguel. Ahí ya estaba aplicando todo me dijeron los jurados en las etapas anteriores. En la cuarta, canté un tema muy especial que es de la película Coco, “El latido de mi corazón"; me fue súper bien, me moví más y estuve mucho más suelto. Pero la semifinal, fue una de mis mejores presentaciones, así como la primera; canté “Cómo te extraño” de Abel Pintos, un tema hermoso que es de mis favoritos. Hice llorar a Natalie Pérez y eso también me hizo emocionar mucho”, contó. 

César y Malena, quienes también sorprendieron con su talento en el exitoso programa de El Trece, hablaron sobre lo que hace a nuestra ciudad una cuna para el arte.

“Creo que Gualeguaychú es un nido de artistas, y la gran influencia de eso es el Carnaval. Hay calidad de músicos y por ende mucha competencia. Creo que esta ciudad se debe al arte y por eso mismo los medios siempre hacen un lugar para nosotros; hay mucho apoyo de parte de las radios, los streamings, etcétera. Acá siempre se habla de cantantes, de músicos y de bandas, y eso también genera repercusión en la sociedad”, dijo Malena, quien actualmente estudia la carrera de Cantante Profesional en Buenos Aires.

La joven, que fue convocada para ser una de las voces principales de la comparsa Papelitos en el Carnaval 2027, contó que empezó a cantar a los 16 años en Marí Marí, donde vivió una etapa muy significativa en su formación artística y aprendió muchísimo sobre “el escenario, el trabajo en equipo y la exigencia de un espectáculo de esa magnitud”. Acerca de su paso por “Es mi sueño”, agregó: “Llegar hasta la semifinal fue algo que, sinceramente, superó muchas de mis expectativas. Fue un proceso de muchísimo aprendizaje, de conocerme más como artista, de enfrentar nervios, exigencias y desafíos que nunca había vivido de esa manera”.

César, por su parte, señaló cómo el Carnaval, los Corsos Matecito, Gualeguaychú Joven y diferentes propuestas culturales hacen que “desde la infancia ya haya un incentivo a que nos conectemos con algo artístico”. “Desde siempre hubo artistas, pero siento que hoy con las redes sociales y la cercanía con Buenos Aires, que es un polo cultural, se vuelve más posible atravesar el río y hacerse un poco más visible. Creo que había talentos antes, pero era más difícil que ganasen visibilidad. Los que tuvimos la suerte de estudiar o vivir un tiempo allá, cuando volvemos a nuestra ciudad natal traemos lo que hemos aprendido y eso hace que siga creciendo la movida cultural local”, observó.

También resaltó el rol de los maestros de la ciudad que precedieron a los nuevos músicos: “Hubo grandes artistas, poetas y actores. En lo personal, tuve la suerte de formarme de chico en la Asociación Musical Gualeguaychú donde tomaba clases con el guitarrista Juan Pablo Pérez. Después me fui a estudiar a Concepción de Uruguay. Así como Juan Pablo hay grandes estudiosos de la música que nos brindan su experiencia y su conocimiento. Pienso en Luis Luján o en muchos otros artistas locales”.

El ADN musical de Gualeguaychú

Otro de los artistas de la ciudad que compartió su mirada fue el reconocido cantautor Damián Lemes, quien a principios de este año se consagró ganador en el rubro Canción Inédita del Certamen Nuevos Valores del Pre Cosquín 2026 con “La Yuyera”. En línea con lo que expresó César, Damián remarcó que “siempre nos nutrimos de maestros del arte local, pero no solamente del pasado”.

“Mi profesión es la de arquitecto, pero en la música he ido aprendiendo con músicos locales y algunos de la región”, destacó y reflexionó acerca de la idea de que la relación directa con el arte “está en nuestra idiosincrasia gualeguaychuense”.

“De manera lúdica, en nuestra secundaria, hacemos Carrozas Estudiantiles, Gualeguaychú Joven, y quema de muñecos. En mi caso particular, además, viví esto de respirar arte desde el seno familiar: mi mamá es maestra de danzas y ensayaba en casa algunas veces; mi papá es albañil de toda la vida, pero también un gran lector y un aficionado a la poesía de verso libre. Entonces para mí eso fue siempre natural: de repente había una guitarra arriba de la cama, un acordeón siempre a mano y sonaban discos del folclore argentino y latinoamericano en los ensayos de mamá”, relató.

Luego, Damián comentó que “hablar de Gualeguaychú es hablar del Carnaval”, un elemento que refuerza su idea de que, seamos más o menos carnavaleros, “es parte de nuestro folclore” y constituye “el acervo cultural más importante que tenemos. Cuando era chico jugaba a pegarle a un tarro de dulce de batata que buscaba del almacén”, añadió.

Al igual que César, coincidió en la influencia que ejerce no sólo la cercanía con la gran ciudad sino también estar enfrente del Uruguay: “Somos un Entre Ríos particular, que es frontera con Buenos Aires y con los hermanos uruguayos. Entonces también sucede que suenan los tambores del otro lado y algo sucede con nuestra sangre. Es inevitable”.

“Desde afuera siempre nos ven como artistas por ser de acá, practiquemos o no el arte. Simplemente hay algo que tiene que ver con nuestras vivencias, algo que es tan natural en nosotros, pero genera extrañamiento desde afuera. Ver pasar una carroza por la esquina de una casa, escuchar tambores a lo lejos en el barrio, vivir el Carnaval desde los comienzos más humildes hasta el Corsódromo. A todo esto, se suma la relación con la naturaleza y la contemplación de este paisaje que nos moldeó hasta la forma de ser. Vivimos en un litoral particular y eso es lo más lindo”, concluyó.

Con la palabra en lo más alto

El freestyle rap (o rap de estilo libre) es el arte de improvisar rimas, versos y métricas en el momento, sin una letra escrita ni preparación previa, por lo general sobre una base instrumental (beat). En los últimos años, tanto en Argentina como en otros países fuera de Estados Unidos (donde surgió hace décadas), el freestyle pasó de ser un movimiento alternativo a convertirse en un fenómeno cultural global gracias al éxito de las competencias locales y la llegada de las redes sociales.

En 2023 nació en Gualeguaychú la “Entre Freestyle”, una competencia que buscaba reunir las distintas ramas del hip hop en un mismo espacio y darle impulso a toda la escena entrerriana. “La Entre” creció tanto que el sábado 8 de agosto fue la única sede clasificatoria del país para el Torneo de Plazas organizado por Red Bull en Perú. Su ganador fue un exponente local oriundo de Gualeguay apodado Kenta.

Kenta, cuyo nombre artístico suele escribirse como K.N.T., habló de la importancia que cobra en la actualidad la escena del freestyle en Gualeguaychú, y el talento que de allí surge.

“Siento que es una ciudad que se atrevió a sostener una cultura artística como la del Carnaval, a partir de la cual empezás a normalizar que exista el vínculo con el arte de alguna manera”, dijo, y coincidió con los demás artistas acerca de la influencia que ejerce nuestra cercanía con ciudades como Montevideo, Rosario, Paraná o Buenos Aires: “Es un poco el punto donde estamos y las personas que convergen en él. Siendo de Gualeguay, desde el principio noté magia acá en Gualeguaychú, y siempre me sorprende la cantidad de personas activas y comprometidas con la cultura y el arte que hay; algo que no he visto nunca en ciudades similares”, manifestó.

Luego describió a la escena local del freestyle como “única en el país”, en parte por la idiosincrasia entrerriana. “En un momento coincidieron varias formas de ver el freestyle; se quiso traer la palabra lo más limpia y pura posible, con un mensaje que sea real y honesto con lo que a uno le pasa adentro. Creo que en Gualeguaychú se cultivó eso con la ‘Entre Freestyle’, una valoración artística muy fuerte de la palabra, porque cuando quizá el mensaje no es claro, la forma en la que suena o se ejecuta el verso, termina siendo muy elevada. Acá se aprecia mucho eso, hay un trabajo de escucha tremendo. Eso también es un buen entrerriano. El entrerriano es muy buen recibidor y por consecuencia escucha bien. Y es amable. Entonces, tanto los que vienen de afuera como a nosotros mismos nos sentimos escuchados en lo que tenemos para decir, y eso hace que se vaya elevando la vara de las formas que hay para decirlo”, concluyó.

La británica Bonnie Tyler, reconocida cantante de rock-pop e ícono de la música de la década de 1980, falleció en las últimas horas a sus 75 años.

Su muerte se produjo tras sufrir complicaciones derivadas de una perforación intestinal que obligó a practicarle una intervención quirúrgica de urgencia en mayo pasado. La artista se encontraba en Portugal, país donde residía hace unos años.

“Bonnie falleció de manera inesperada anoche en un hospital de Portugal a causa de la enfermedad por la que la estaban tratando”, afirmó la familia en un comunicado publicado en Facebook.

La cantante acababa de lanzar un sencillo, “Only Love”, y tenía prevista una gira por Europa durante varios meses.

En el mundo, a Tyler se la recuerda especialmente con su balada rock “Total Eclipse of the Heart”, que sigue siendo una de las canciones de amor más famosas de todos los tiempos.

A principios de 2026, 43 años después de su lanzamiento, había superado mil millones de reproducciones en Spotify. “¿Cómo imaginar un segundo que su éxito sería tan enorme, y que personas que aún no habían nacido la cantarían hoy en los karaokes?”, comentó ella en el Telegraph en 2025.

Sin embargo, en la Argentina también se la tiene presente por haber sido la voz de una canción que inexplicablemente se convirtió en un himno en las canchas del fútbol local.

Se trata de “It’s a Heartache”, que las hinchadas argentinas transformaron en un grito de guerra contra sus propios jugadores.

“... A ver si ponen huevos, que no juegan con nadie...”, se suele cantar en las tribunas cuando el resultado o el rendimiento de un equipo no es el esperado.

Gaynor Hopkins, como se llamaba realmente, nació en 1951 en Neath, en Gales. Su padre trabajaba en las minas de carbón y su madre cuidaba a los seis hijos del matrimonio.

La joven comenzó a cantar en la iglesia y dejó los estudios con 16 años. Mientras intentaba triunfar en la música trabajó en una tienda.

Cambió de nombre por Sherene Davis, para evitar que la confundieran con otra cantante galesa, Mary Hopkin.

El cazatalentos Roger Bell la descubrió en 1975, en un club. Meses más tarde firmó con RCA Records, y cambió una vez más de nombre, esta vez a Bonnie Tyler. Destacó entonces con el sencillo “Lost in France” (1976).

Poco después se sometió a una operación para extirpar nódulos en sus cuerdas vocales. Por no haber descansado lo suficiente su voz quedó rasgada, su sello distintivo.

“It’s a Heartache”, que salió el mismo año, fue su primer gran éxito mundial. En los años 1980 colaboró con el compositor y productor estadounidense Jim Steinman, quien escribió “Total Eclipse of the Heart”, un éxito que convirtió a Bonnie Tyler en una estrella internacional a los 32 años.

En la cima de la gloria, Bonnie Tyler siguió consechando éxitos en 1984 con “Holding Out for a Hero”, en la banda sonora de “Footloose”, y triple disco de platino. También fue nominada tres veces a los Grammy Awards.

La artista estaba casada desde 1973 con el promotor inmobiliario Robert Sullivan, su amor de juventud. Desde los años 1970, la pareja pasaba parte de su tiempo en el Algarve, en Portugal.

Hace unos días estaba escuchando música desde YouTube mientras limpiaba mi estudio. Suelo poner una lista de reproducción de fondo con estilos que me gustan, en este caso era “Rap de los 90’s”. La cuestión es que al cabo de unos 45 minutos de estar inmerso en la limpieza sin prestarle mucha atención a lo que sonaba de fondo, me di cuenta que en todo ese rato, no había sonado una sola canción que conociera.

Hace 26 años que escucho rap y es extraño que, en una lista de 20 canciones clásicas del género, no conociera al menos una. Me fui de inmediato a la pantalla de la computadora para ver quién era el artista que estaba sonando. Este tipo de listas, en YouTube, suelen estar representadas por alguna fotografía en blanco y negro de algún gueto de Nueva York, o de un grupo de jóvenes en ronda, en este caso era lo segundo. La fotografía se veía extraña, real, pero algo inquietante, como que esa realidad estaba interpretada, no fotografiada. En fin, con solo leer un poco los comentarios descubrí que la lista de reproducción que estaba siendo la banda sonora de mi día de limpieza, era música generada con inteligencia artificial (IA).

Mi primera sensación fue de decepción conmigo mismo, porque ¿cómo no me iba a dar cuenta que es IA? Pero luego entendí que la barrera ya estaba cruzada. La línea entre lo real y lo creado por un robot, ya es difusa.

Como compositor, letrista, músico, productor, técnico en grabación y mezcla de audio (entre otras cuestiones ligadas al sonido), siempre me fue útil incorporar las herramientas que las nuevas tecnologías suman al catálogo, ya interminable, de elementos que facilitan ciertos procesos. Hace años que modelos de IA vienen ganando terreno en campos como la producción musical. Empresas desarrolladoras de software y plugins para audio como Izotope, ya tienen años diseñando algoritmos para sus productos, en dónde con un clic, tu mezcla musical, mágicamente, explota en volumen y en saturación armónica. Pero, a partir de 2021, con la aparición de modelos de IA como ChatGPT, DeepSeek y Gemini, entre otros, eso también se trasladó al mundo de la música. Apareció Suno, UDI, Soundraw, en dónde con un simple prompt (instrucción, pregunta o mensaje de texto que se le da a un sistema de IA), se puede crear canciones enteras, en una calidad que puede engañar a los oídos más afinados.

Hace un año, aproximadamente, sucedió que aparecieron bandas con discografías completas en plataformas digitales como Spotify que eran hechas enteramente con IA y lograban millones de reproducciones, algo impensable para el artista emergente, humano, promedio. Todos los procesos que antes podían llevar horas, días, meses, ahora se resuelven escribiendo unas simples instrucciones a un chat y, en segundos, vomita la obra más predecible y amigable para el oído medio.

De hecho, no hace mucho, se han incorporado a los programas de producción musical como Cubase o el gratuito BandLab, herramientas con las cuales podés crear, por ejemplo, una línea de coros femeninos, con sólo escribir las notas en el software. O el reciente Greysound, en el que ponés tus pistas y vas guiando a la IA con instrucciones simples, como si estuvieses hablando con un ingeniero en el estudio de grabación.

Con todo esto, la pregunta es inevitable y se traslada a todos los ámbitos: ¿Hasta dónde llegará todo esto? No soy profeta ni vengo del futuro, pero sí se puede decir que hay un desgaste notable en todo lo relacionado al “arte generado por inteligencia artificial”, ya sean imágenes, videos o, en este caso, música. Ya es un poco molesto ver que todo es resuelto por estas redes neuronales artificiales. Los modelos de aprendizaje tienen un límite, a diferencia de nosotros. Si hay algo que siempre he disfrutado de hacer música es el proceso creativo. Estar en mi mundo en el que todo lo externo se vuelve un cuadro a contemplar. Ese microcosmos en dónde lo que me rodea, puede convertirse en una gran historia que contar en el papel, sobre una base rítmica, que puedo grabar con mi voz imperfecta, llena de errores, llena de humanidad. Aunque la IA no tiene por qué ser una pesadilla de la ciencia ficción, tampoco debe volverse el estándar.

Cuando trabajo con músicos en mi estudio, siempre los motivo a que encuentren su propio proceso creativo, que se dejen llevar por ese viaje hermoso que es el de sumergirse en la composición de una canción, de una melodía, de un álbum. Tampoco debemos renunciar a lo que el progreso nos regala, si a través de una IA alguien puede llegar a un resultado que lo convenza, está bien. Pero hay que ser conscientes de que ya no es tu viaje personal como artista, que es un viaje compartido donde el algoritmo deja su huella. Porque hay algo en lo que la inteligencia artificial nunca va a poder igualarnos, y es en nuestra esencia de seres contradictorios, propiedad de la evolución de las sociedades.

Cuando contemplamos un cuadro, escuchamos una canción y la cantamos a los gritos, o vemos una película que nos emociona, lo que estamos experimentando es un sentido de pertenencia hacia una obra. Lo que nos conecta es esa vulnerabilidad con el otro, saber que alguien estuvo detrás de eso que nos conmueve, es una característica que compartimos colectivamente. Algo que está dentro de todos nosotros y que ninguna otra especie del planeta puede experimentar (hasta dónde sabemos).

La música es una de las formas de comunicar más antiguas, los primeros registros de instrumentos musicales datan de 50.000 años. Con huesos y madera, nuestros ancestros crearon sus primeros sonidos para comunicarse, más allá del lenguaje convencional. Porque la música es otro idioma, si no ¿cómo es posible que te guste tanto ese tema en inglés del que no entendés nada, pero que cala hondo en tus emociones? La música es eso que podemos disfrutar junto a miles de personas que no conocemos mientras saltamos eufóricos coreando guitarras. La música es una forma de expresión humana.

La IA podrá copiarse porque, al fin y al cabo, eso es lo que hace, se copia de nosotros, se adapta, lee y reinterpreta lo que ya hemos hecho, pero siempre podemos estar un paso adelante, inspirando los movimientos de sus engranajes.  Y por más increíble que sea lo que haga un modelo de IA, acá vamos a valorar lo que realmente nos conecta como especie: lo emocional, lo real, lo que me identifica con ese artista que tanto gusta, el error humano, la voz que se quiebra, el silencio entre dos notas que ningún algoritmo puede replicar.

La Secretaría de Cultura de Entre Ríos y la Casa de la Cultura convocan a proyectos musicales independientes a participar del ciclo anual de grabación “Casa Estudio”.

La propuesta está dirigida a bandas de cualquier género y formato, integradas por jóvenes de entre 18 y 30 años, residentes en la provincia.

La inscripción permanecerá hasta el 10 de abril, inclusive. Serán seleccionados 14 proyectos que participarán de jornadas de grabación en vivo entre abril y noviembre, en las que se registrarán piezas musicales en formato audio y audiovisual.

La convocatoria busca acompañar, difundir y potenciar la música entrerriana a través de una experiencia de grabación y producción destinada a artistas emergentes de la provincia. La inscripción puede realizarse a través un formulario web disponible en la página web de la Provincia.

Para más información, los interesados pueden comunicarse por correo electrónico a casastudiocultura@gmail.com.

El grupo Bésticos presentó el jueves por la noche en Casa De Deken el concierto “Bésticos Plays Miles”, una propuesta dedicada al repertorio del trompetista y compositor estadounidense Miles Davis.

La presentación convocó a más de 80 personas que se acercaron al patio del espacio cultural para presenciar el recital, que incluyó interpretaciones de algunas de las obras más conocidas del músico. Entre ellas, el grupo abordó piezas como “Tune Up”, “Freddie Freeloader”, “Four”, “My Funny Valentine”, “Solar”, “Flamenco Sketches” y “So What”.

Durante el concierto, las interpretaciones estuvieron acompañadas por reseñas y textos preparados por Juan Selva, que aportaron contexto sobre las composiciones y distintos momentos de la trayectoria artística de Davis.

El recital se desarrolló en el patio de la Casa De Deken, un espacio que en los últimos meses ha albergado conciertos y diversas actividades culturales.

En el marco del encuentro también se organizó una muestra temporaria con materiales pertenecientes al vecino de Gualeguaychú José Falcione, reconocido por su afición al jazz y amigo personal de Selva. La exposición reunió distintos elementos vinculados al género musical.

La actividad se realizó bajo la modalidad “a la gorra”, con aporte voluntario del público. Además, el servicio de cantina estuvo a cargo de la organización Pelucas de Esperanza, que ofreció pizza y empanadas durante la jornada.

Bad Bunny abrió el viernes su primera noche en el estadio Monumental de River Plate con un show que no dejó dudas: el puertorriqueño es, hoy por hoy, uno de los artistas más grandes del mundo. Casi dos horas de fiesta, perreo y emoción con 80 mil personas que no dejaron de cantar ni un segundo, cerraron con un homenaje a Soda Stereo que erizó la piel hasta el último rincón del estadio más grande de Latinoamérica.

Lejos quedaron el show en el Pinar de Rocha en 2017, el Luna Park en 2018 y los dos estadios Vélez en 2022. Luego de ganar tres Grammys, convertirse en el primer artista con un álbum completamente en español en alzarse con el Grammy al Mejor Álbum del Año y protagonizar el show de medio tiempo del Super Bowl LX, Benito Antonio llegó a Buenos Aires en el mejor momento de su carrera para iniciar una serie de tres fechas que ya prometen ser históricas.

Desde temprano, las inmediaciones del barrio de Núñez se transformaron en una peregrinación multitudinaria con un solo destino: el Monumental. A pesar del calor implacable y la escasa sombra, el clima que se respiraba en las calles era de pura alegría y expectativa. Ni bien se entraba al estadio, empleados vestidos como miembros del staff de un hotel all inclusive repartían una cámara fotográfica de cartón que, a lo largo del concierto, fue iluminando de distintos colores la cancha en un claro guiño al último disco de estudio de Benito.

A las 19 en punto subió al escenario Ramma, un joven argentino de 21 años oriundo de Trelew elegido por el propio Bad Bunny como telonero nacional. Con apenas cuatro canciones logró cautivar a los presentes. Luego llegó el turno de Chuwi, la banda que acompaña al puertorriqueño en su gira latinoamericana del Debí Tirar más Fotos World Tour, que logró poner a bailar al público antes de que llegara el momento más esperado.

A las 20:40 las luces se apagaron y la ansiedad estalló. Dos minutos antes de las 21, la pantalla se encendió con un video en el que dos argentinos sentados en el patio de una casa entonaron las primeras estrofas de "La Mudanza", dando inicio oficial a la locura.

Desde el primer acorde, las 80 mil personas del estadio respondieron con una energía arrolladora. Al terminar la primera canción, Bad Bunny desafió al público con una frase que funcionó como declaración de principios: "Creo que todas las personas que están aquí esta noche son conscientes de lo que yo pienso del público de Argentina. Así que no espero menos".

"Callaita", "Pitorro de coco", "Weltita", "Turista" y "Baile inolvidable" fueron parte de la seguidilla de hits que mantuvo al estadio en ebullición. En un momento de pausa, Bad Bunny se tomó un instante para hablar desde el corazón: "Estaba loco por volver a mi gira y por volver a Argentina. Y después de dos semanas muy intensas, se las digo desde el fondo de mi corazón, se siente como volver a casa, así que gracias, Argentina".

El discurso más emotivo de la noche llegó antes de hacer pogear por primera vez al Monumental con "NUEVAYol", mientras los primeros fuegos artificiales estallaban en el cielo: "Este show se trata de amor, de amarse a ustedes mismos, de amar a los demás, de amarnos a nosotros. Entonces, por eso yo siempre les digo que la única persona que tiene el poder de convertir esta noche en una que no olvidemos nunca son ustedes. Por eso te digo, Argentina: ¡disfruta, vive, ama, baila sin miedo esta noche!".

El momento más esperado de la noche llegó con La Casita, la estructura que replica una vivienda típica de Puerto Rico y funciona como segundo escenario. Bad Bunny apareció vistiendo la camiseta de la selección argentina con el número 19, un guiño explícito a los primeros pasos de Lionel Messi en el fútbol argentino.

En este segmento del show, el cantante invita a figuras del público y famosos nacionales a subir al escenario para bailar a su ritmo. En esta primera noche, los elegidos fueron Tini Stoessel, María Becerra y La Joqui, lo que disparó el volumen del estadio a niveles ensordecedores. "TITI ME PREGUNTÓ", "NEVERITA", "SI VEO A TU MAMÁ" y "VOY A LLEVARTE PA PR" fueron algunos de los temas que sonaron en este set, diseñado a la perfección para llevar al público todavía más lejos.

En la transición al tercer y último set del show llegó el momento más inesperado y emotivo de la noche. Un grupo de salsa compuesto por cuatro músicos puertorriqueños tomó el centro del escenario y le pidió permiso al público para honrar a una de las bandas más emblemáticas de la Argentina. "Argentina, hemos llegado y un homenaje le haremos con la plena que traemos y el corazón entregado", entonaron, antes de lanzarse con una versión salsa de "De música ligera", el clásico de Soda Stereo compuesto por Gustavo Cerati y Zeta Bosio en 1990.

La reacción fue inmediata y unánime: 80 mil voces cantaron a coro la letra mientras el piso del Monumental vibraba bajo los pies.

Para cerrar la noche, Bad Bunny eligió "Ojitos lindos", "El apagón", "DtMF" y "EoO", entre otros temas que pusieron el broche de oro a casi dos horas de espectáculo. La canción exclusiva de esta primera fecha fue "Otra Noche en Miami", un tema que escribió en 2018 cuando su carrera recién comenzaba a despegar.

A lo largo de todo el show, el cántico "Benito, Benito, Benito" fue la banda sonora secundaria de la noche. En cada instante de silencio, las miles de personas presentes coreaban su nombre, lo que en más de una ocasión llevó al artista a sacarse los auriculares in-ear para escuchar mejor los cánticos en su honor.

El talentoso músico Damián Lemes vivió una noche histórica este miércoles al subir al escenario Atahualpa Yupanqui durante la quinta luna del Festival Nacional de Folklore de Cosquín. A partir de las 23 horas, Lemes deslumbró al público con su chamamé inédito "La Yuyera", una pieza que lo consagró como ganador del rubro Canción Inédita en la edición 2026 del certamen Pre Cosquín.

En una emotiva interpretación, el artista local rindió homenaje: “Este es un chamamé dedicado a Doña Geroma, en la Gualeguaychú de mi niñez allá en Entre Ríos. Esta matrona de saberes ancestrales ya no está entre nosotros, pero lamentablemente tampoco su montecito nativo”. Su actuación fue un momento de conexión profunda con las raíces de la región y la cultura chamamecera.

El certamen Pre Cosquín, que se llevó a cabo el pasado 19 de enero, otorgó a Lemes el primer lugar en el rubro Canción Inédita con su tema de autoría propia, convirtiéndolo en una de las figuras emergentes de la música folklórica argentina. Su victoria también le permitió participar en la gala de ganadores del 20 de enero, donde compartió escenario con otros talentosos artistas del certamen.

El Festival Nacional de Folklore de Cosquín

El Festival Nacional de Folklore de Cosquín, que celebró este año su 66ª edición, ha sido un punto de encuentro para los artistas más importantes del país. Desde su inicio el 24 de enero, ha reunido a miles de personas en la Plaza Próspero Molina, quienes disfrutan de una variada programación con lo mejor de la música folklórica argentina. La presencia de Damián Lemes en este evento de gran envergadura es un reconocimiento a su talento y dedicación al folklore, un género que sigue sumando nuevas voces y renovando su energía.

Con información de El Once

Hay algo difícil de explicar a quienes no lo vivieron: escuchar la radio, en ciertos momentos, era un acontecimiento colectivo. No un ruido de fondo o un hilo sonoro que acompaña mientras hacíamos otra cosa, era esperar a que sonara ese tema del que todos hablaban, quedarse despierto hasta la medianoche para grabarlo en un cassette, sentir que en ese instante —frágil e irrepetible— se producía algo nuevo. En los ochenta y noventa, las FM eran las protagonistas de esa liturgia: las canciones no eran información disponible, eran irrupciones en tu cotidianeidad que abrían un vínculo espacio-tiempo distinto.

Ese vértigo, una suerte de mezcla entre ansiedad y celebración, se perdió en la transición hacia las plataformas digitales. Hoy, un estreno musical llega junto a cientos más, cada cierta cantidad de días, en listas diseñadas por algoritmos que deciden qué debería interesarnos según la información que recolectaron de nuestros gustos. La novedad ya no interrumpe la rutina, sino que se integra a un flujo inagotable e incesante de propuestas que aparecen y se olvidan a la misma velocidad. Lo nuevo ya no es acontecimiento, es acumulación.

El filósofo francés Jacques Attali advirtió que la música es siempre un laboratorio de lo social. En Ruidos escribió que escuchar no es un acto pasivo: es participar en una economía simbólica que anticipa los modos de organizar la vida en común. Si lo pensamos desde ahí, lo que ofrecía la radio, como medio difusor, era un tiempo compartido porque existía la certeza de que otros estaban escuchando lo mismo al mismo tiempo, mientras que lo digital impone un disfrute solitario, privado, casi encapsulado en un algoritmo que refuerza preferencias y evita sorpresas demasiado bruscas.

La diferencia es abismal. Cuando escuché, por ejemplo, Smells Like Teen Spirit de Nirvana por primera vez en un programa de medianoche, semanas antes de que saliera al mercado, no fue simplemente una nueva canción, sino sentir que algo cambiaba, que lo inesperado tenía todavía un lugar. Lo mismo les pasó a miles y ese gesto colectivo contuvo una forma de esperanza: que lo nuevo nos encontró a todos al mismo tiempo.

En su famoso ensayo sobre la obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, Walter Benjamin habló de la pérdida del aura, de la cual decía que no era un atributo místico, sino la experiencia de lo irrepetible, del aquí y el ahora. La música en la radio todavía conservaba algo de ese aura: llegaba como evento, como una irrupción deseada, mientras que a través de las apps de streaming aparece, pero disuelve ese carácter único en un universo de disponibilidad permanente porque cuando todo está siempre al alcance, nada sorprende de verdad.

El problema no es solo de cantidad, sino de tiempo. La radio imponía una espera: había que quedarse pendiente, escuchar los temas previos, soportar las publicidades, dejarse llevar por la programación. En esa demora nacía la expectativa. En la actualidad, en Spotify o en alguna otra, ofrecen todo ya: no hay espera, no hay demora, no hay tensión previa. Todo es inmediato cuando está disponible, sin restricciones, con lo cual el vértigo desaparece.

Quizás lo que hemos perdido sea la capacidad de escuchar con hambre. Convertimos a la música en un flujo constante, como si se tratara de un paisaje sonoro que adorna el día y nos olvidamos que, en otros momentos, disfrutar una nueva canción podía ser un acto de comunión, un descubrimiento compartido, un hito en la memoria de una generación. Presencia real y humana.

En lo virtual, sin embargo, cada estreno es apenas una notificación más y así como la política cabe en un tuit, la amistad se escribe en un chat y la memoria flota en la nube, la música se disuelve en playlists infinitas.

Lo que está en juego no es la nostalgia por algo que ya no existe, sino la pregunta por cómo queremos escuchar el arte en el futuro. Tal vez el desafío no sea resistir al algoritmo, sino reaprender a esperar, devolverle al sonido su capacidad de conmovernos, aunque dure tres minutos y medio.

El mundo del espectáculo argentino amaneció este domingo con la triste noticia del fallecimiento de Ricardo "Chiqui" Pereyra a los 74 años, tras no lograr recuperarse de las graves lesiones sufridas en un accidente doméstico.

El reconocido cantor de tangos, oriundo de General Roca, permanecía internado en un centro médico de la Ciudad de Buenos Aires con pronóstico reservado, luego de una caída desde una escalera que derivó en una cirugía de urgencia y un cuadro clínico que se tornó irreversible en las últimas horas.

Según pudo saber la Agencia Noticias Argentinas, su entorno confirmó el deceso a través de un desgarrador mensaje en redes sociales: "Con todo el dolor del mundo debo comunicarles el fallecimiento de 'El Chiqui'. El milagro que no llegó, el pronóstico que era predecible pero aun así no perdíamos la fe".

La familia del artista, visiblemente afectada, pidió respeto y privacidad para atravesar este duro momento, haciendo especial énfasis en la situación de su esposa. "Mamá está destruida como el resto de la familia, pero ella que era el pilar hoy está más frágil que nunca. Por eso no está para recibir mensajes por el momento ni llamadas, hay trámites que realizar y demás", explicaron en el mismo comunicado, solicitando paciencia a los miles de seguidores que inundaron las redes con mensajes de apoyo.

En los días previos, se había informado que el músico se encontraba clínicamente estable, pero sin respuestas neurológicas, una situación que finalmente derivó en este desenlace fatal que enluta a la cultura nacional.

Nacido el 26 de junio de 1951, Pereyra dejó una huella imborrable en la historia del tango desde su irrupción en el programa Grandes Valores del Tango en 1978, donde su talento fue tal que los directivos lo consagraron profesional de inmediato.

A lo largo de su extensa trayectoria, fue figura central de ciclos como Botica de Tango y recibió el prestigioso Premio Santos Vega en 2007. Su partida no solo genera una profunda conmoción en su Río Negro natal, sino en todos los escenarios internacionales donde su voz fue embajadora del género, cerrando así un capítulo fundamental de la música ciudadana argentina.

Fuente: Noticias Argentinas.

El cuarteto es desde hoy patrimonio de la humanidad. Así lo resolvió Unesco que incluyó al tradicional fenómeno musical cordobés en su lista de bienes culturales inmateriales.

“Ultima Hora. Nueva inscripción en la lista de Patrimonio Inmaterial: el cuarteto, música, danza y letras en la ciudad de Córdoba, Argentina. ¡Felicidades!”, dice el anuncio de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura.

Al explicar los motivos de su elección, la Unesco detalló que “el cuarteto es un género animado de música bailable que mezcla estilos locales criollos con influencias de inmigrantes europeos. Las primeras orquestas cuarteto contaban con instrumentos como el piano, violín, acordeón y contrabajo, con un cantante dirigiendo la actuación. Con el tiempo, el género ha incorporado ritmos caribeños, percusión afrolatina e instrumentos de viento, convirtiéndose en una parte significativa de la cultura local”.

“Hoy en día, el cuarteto sigue siendo una expresión cultural importante, con letras que a menudo se centran en la vida cotidiana, el amor y la alegría. Es popular en los ‘bailes’ (eventos de baile), donde actúan orquestas de ocho o más músicos y la gente baila en círculos, siguiendo un ritmo rápido conocido como ‘tunga'”, agrega

El patrimonio cultural inmaterial incluye las prácticas, conocimientos y expresiones que las comunidades reconocen como parte de su identidad cultural, junto con los objetos y espacios asociados.

“Transmitido de generación en generación, este patrimonio se adapta con el tiempo, reforzando la identidad y el respeto por la diversidad cultural. La Convención de la UNESCO de 2003 destaca la necesidad de salvaguardar estas expresiones culturales para las generaciones futuras”, detalla el organismo.

Con información de Ahora

En medio de la expectativa por sus 10 nominaciones en los Latin Grammy, Ca7riel y Paco Amoroso comenzaron la velada de forma soñada. El dúo logró dos premios en las categorías Mejor Video Musical Versión Corta y Mejor Video Musical Versión Larga por su trabajo en su EP Papota.

El material de los jóvenes tiene Ferrán Echegaray y Martín Piroyansky en el rol de directores y a Armando Bo, Chino Fernández y Francisco Wechsler como productores. En ese sentido, quien subió a recibir el premio fue Piroyansky, quien no ocultó su alegría: “Muchas gracias a por convocarme Ferrán Echegaray, a Ca7riel y Paco por confiar, y sobre todo a Nati Loiacono por editar conmigo y bancarse toda mi angustia. Por más ficción en Argentina”.

Minutos después llegó la premiación por Mejor video musical versión larga. Nuevamente, el director subió al escenario y expresó: “No tenía preparado un segundo discurso, así que les agradezco por este premio. Por más ficción en Argentina”.

Además, durante la jornada, La Academia confirmó que Ca7riel & Paco Amoroso darían un show en la ceremonia. El dúo argentino llega al MGM Grand Garden Arena de Las Vegas con un total de diez nominaciones. Ese es el récord que establecieron Ca7riel y Paco Amoroso, quienes se convirtieron en los primeros artistas argentinos en alcanzar semejante cifra en la historia de estos premios.

El anuncio, realizado por la Academia Latina de la Grabación, los posiciona como referentes de la música argentina y marca un hito para la presencia nacional en el principal escenario de la música latina. La edición número 26 de los Latin Grammy tiene a los músicos compitiendo en las categorías más codiciadas, con la expectativa de transformar las nominaciones en estatuillas.

El detalle de las candidaturas confirma la magnitud del logro: Ca7riel y Paco Amoroso figuran en Álbum del Año por su EP Papota, una obra que los llevó a recorrer escenarios de distintos continentes. Además, cuentan con doble presencia en Canción del Año gracias a “El día del amigo” y “#TETAS”, temas que también compiten en Grabación del Año. La lista se amplía con nominaciones a Mejor Canción Pop (“El día del amigo”), Mejor Álbum de Música Alternativa (“Papota”) y Mejor Canción Alternativa (“#TETAS”). El reconocimiento abarca también el terreno audiovisual, con menciones en Mejor Video Musical Versión Larga (por “Papota”) y Mejor Video Musical Versión Corta (por “#TETAS”). Esta diversidad de postulaciones refleja la apuesta integral y disruptiva que el dúo ha desarrollado desde sus primeros lanzamientos.

El presente del dúo se traduce también en una gira internacional que representa el mayor despliegue de su carrera. Durante 2025, Ca7riel y Paco Amoroso recorrieron escenarios de Estados Unidos, Europa, Asia y Latinoamérica, participando en festivales emblemáticos como Coachella, Glastonbury, Roskilde, Fuji Rock, Outside Lands, Montreux Jazz Festival y seis ediciones de Lollapalooza en distintos países. Cada presentación sumó nuevas dimensiones a su propuesta, tanto en lo sonoro como en la puesta en escena, y amplió su base de seguidores en todo el mundo.

La proyección internacional del dúo se consolida con próximos hitos: en lo que resta del año, su itinerario incluye estadios y recintos de gran capacidad en Latinoamérica y Europa, así como participaciones en festivales estadounidenses como Austin City Limits y Camp Flog Gnaw. Uno de los momentos más esperados será su colaboración con el rapero estadounidense Kendrick Lamar, con quien compartirán escenario en México, Colombia, Brasil, Chile y Argentina. La fecha más destacada de esta alianza será el 4 de octubre, cuando se presenten junto a Lamar en el estadio River Plate de Buenos Aires.

La propuesta artística de Ca7riel y Paco Amoroso se distingue por su carácter integral. El reconocimiento en categorías audiovisuales en los Latin Grammy responde a una búsqueda estética que se manifiesta tanto en sus videoclips como en sus presentaciones en vivo. En el reciente Fuji Rock, el festival más importante de Japón, el dúo sorprendió con atuendos de gran tamaño y colores llamativos, paneles verticales con imágenes ampliadas de sus rostros y una puesta en escena que combinó música, visuales y performance. La estadía en Japón incluyó también un show íntimo en una disquera de Tokio, donde renovaron su vestuario y reforzaron la identidad visual que los caracteriza.

Entre los hitos que marcaron su salto a la notoriedad global destaca la participación en el formato Tiny Desk de la radio estadounidense NPR. Aquella presentación, acompañados por músicos habituales y algunos instrumentistas norteamericanos, significó el inicio de su proyección internacional y permitió experimentar con arreglos y timbres que luego trasladaron a otros escenarios. Desde entonces, cada paso del dúo ha reforzado su presencia en la escena global y ha consolidado una propuesta artística que integra música, imagen y puesta en escena.

Con la mirada puesta en la gala del 13 de noviembre y una agenda internacional que no deja de sumar desafíos, Ca7riel y Paco Amoroso anticipan que este primer récord en los Latin Grammy es solo el comienzo de una nueva etapa en su carrera. El anuncio de su próxima presentación junto a Kendrick Lamar en River Plate y la promesa de regresar a los escenarios más importantes del mundo refuerzan la proyección de un dúo que ya dejó su huella en la historia de la música argentina.

Dua Lipa sorprendió en su segunda noche del Radical Optimism Tour al cantar “Tu misterioso alguien”, de Miranda!. La cantante desató una ovación inmediata de los fanáticos.

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El popular grupo La Oreja de Van Gogh anunció este miércoles 15 la vuelta de Amaia Montero, su cantante original, y la salida temporal del guitarrista Pablo Benegas, un rumor que llevaba meses circulando y que aumentó cuando se confirmó la partida de Leire Martínez, quien reemplazó a Montero en el grupo español.

La esperada noticia se hizo pública en un comunicado, filtrado unos minutos antes en las redes sociales, acompañado de una foto y de un vídeo grabado en una sala de ensayo en el que aparece ya cantando Amaia Montero, en compañía de Xabi San Martín (teclados), Álvaro Fuentes (bajo) y Haritz Garde (batería).

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La ausencia de Pablo Benegas, que llevaba 30 años en la banda, fue explicada por el grupo, diciendo que el guitarrista sigue formando parte del grupo, aunque "se retirará una temporada para poder disfrutar de más tiempo junto a su familia y explorar nuevos retos profesionales".

De esta manera, el quintento reconvertido ahora en cuarteto volverá a reencontrarse con su público tras haber dedicado estos últimos meses a repasar sus éxitos y también a escribir nuevas historias que pronto se sumarán a su repertorio.

"Volver al local de ensayo, encender el micrófono y sentir viva la magia de nuestras canciones me hizo infinitamente feliz", aseguró una Amaia Montero emocionada, que vuelve al grupo donde brilló entre 1996 y 2007.

La confirmación oficial del regreso Amaia se produce justo un año después de la abrupta salida de Leire Martínez, que permaneció 17 años en la banda donostiarra.

Y venía especulándose después de que, tras un largo tiempo con Montero alejada de los escenarios, volviera a subirse a uno en el concierto de Karol G en el estadio Santiago Bernabeu, en julio de 2024, cuando cantó su mítica canción Rosas.

La salida de Martínez, el 14 de octubre de 2024, fue anunciada por el grupo con un comunicado que aseguraba que no habían conseguido "acercar" sus "diferentes maneras de vivir el grupo", en un anuncio que los fans de la cantante vieron como una traición a quien tomó el relevo de Montero durante 17 años.

La propia Leire sacó en abril su primera canción en solitario, Mi nombre, donde contó cómo la había tratado el grupo: "Nunca fui tuya / Búscate a alguien que me sustituya / Ya lo hiciste una vez / Pero tú ya no podrás esconder más / Dos caras y un nombre".

En los últimos días, este reciente anuncio parecía un rumor a voces, ya que la biografía en redes de la banda cambió para quitar la foto del grupo y poner simplemente: "solo juntos tiene sentido".

María Eugenia Quevedo, la artista elegida para entonar el Himno Nacional en el último partido oficial de Lionel Messi en Argentina, es una de las voces femeninas más reconocidas del cuarteto actual y la cantante principal de la popular banda cordobesa La Banda de Carlitos.

Según supo Noticias Argentinas, Quevedo, de 33 años, nació en San Luis pero se crio en la Provincia de Córdoba, donde desarrolló su carrera musical desde muy joven. Su primera aparición pública fue en el programa de talentos "El cantorcito" del Canal 12 de Córdoba, donde llegó a la final.

Apodada "La Muela", la cantante cuenta con varios álbumes como solista y un importante reconocimiento de la industria. En 2017, ganó el Premio Carlos Gardel en la categoría "Mejor álbum nuevo artista tropical" por su disco "No Ha Sido Fácil".

Actualmente, su carrera está ligada a La Banda de Carlitos (LBC), donde se desempeña como la principal voz femenina, consolidándose como una de las grandes figuras de la música popular de Córdoba. Su elección para cantar el himno esta noche la pone en una vidriera nacional en uno de los eventos deportivos más emotivos del año.

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De la reunión participaron la viceintendenta Julieta Carrazza; la directora de Habilitaciones, Diana Visconti, y los concejales María José Carro, Benito Bacigalupo, Juan Pablo Castillo, Jorge Roko y Vanina Basaldúa y músicos locales. 

En el encuentro se aportaron perspectivas sobre las necesidades y desafíos de las presentaciones artísticas en la ciudad, abordando diversos aspectos en pos de un sistema que contemple la experiencia ofrecida al público, incluyendo espectáculos en vivo, bajo condiciones claras.

Este diálogo directo con las bandas locales permitió identificar puntos claves para optimizar la normativa, promoviendo una regulación más equitativa y transparente que beneficie tanto a los artistas como a los establecimientos, en línea con el lema de “Orden y gestión” que impulsa el intendente Davico.

Los concejales destacaron la importancia de estos encuentros para construir políticas públicas inclusivas, asegurando que las reformas reflejen las necesidades reales de la comunidad. Las reuniones continuarán con otros actores involucrados para seguir enriqueciendo el proyecto antes de su presentación final.

Araceli Julio, vocalista de Satélite Kingston, falleció anoche a los 39 años en el Hospital Central de San Isidro tras meses de lucha contra un agresivo cáncer que la llevó a denunciar el recorte en medicamentos oncológicos y la convirtió en una referente; ya era pionera en el ámbito del ska.

“Julia”, como se la conocía en su nombre artístico, nació en La Plata, tenía un hijo y una hija y a principios de 2024 realizó su primera denuncia pública a causa de los recortes en salud, impulsados por el Gobierno de Javier Milei.

En ese momento, la artista sostuvo que la Dirección de Asistencia Directa por Situaciones Especiales (DADSE), dependiente del Ministerio de Salud, interrumpió su tratamiento. La campaña de solidaridad tomó gran repercusión y se reunió fondos para que consiguiera asesoramiento legal.

El 5 de julio pasado se realizó el último festival en su honor. En esa instancia, la intérprete inició un recurso de amparo y, aunque ganó el juicio, el Estado apeló, por lo que los medicamentos no se surtieron a tiempo.

La artista murió rodeada de sus seres queridos y la noticia fue confirmada hoy por sus compañeros de la banda con quienes compartió más de dos décadas: “Es imposible transmitir lo que sentimos en estos momentos, pero quienes compartimos veinte años con ella”.

El mismo comunicado rememora: “Hacíamos música, riendo, creando, viajando, conversando de temas profundos o bromeando sobre trivialidades. La extrañaremos como quizá aún no sabíamos que se podía extrañar a alguien en esta vida. Solo nos reconforta saber que tendremos siempre muy presentes la dulce compañía de los recuerdos y también los registros de su voz, su sonrisa, sus canciones”.

Julio también interpretaba sus canciones bajo el nombre de La Bicicleta de Saturno. Los oyentes de su música coinciden en una voz dulce, filosa y reflexiva que se puede escuchar en los tres discos que grabó con los que se hizo conocida en Chile, Brasil y México.

(NA)

Maxi Trusso, músico y DJ argentino, se prepara para regresar a los escenarios tras un accidente que marcó un antes y un después en su vida. El pasado 27 de marzo, durante un show en Niceto Club, Trusso intentó hacer “crowd surfing” lanzándose al público, pero no fue sostenido y sufrió una fractura en la cabeza del fémur. Tras una cirugía y un proceso de rehabilitación intenso, el artista asegura estar casi recuperado y listo para volver a la acción.

El accidente le permitió hacer una pausa forzada que, según relata, lo ayudó a profundizar en su parte artística, replantearse ideas y renovar su propuesta musical. “Las grandes cosas surgen de grandes dificultades”, reflexiona, anticipando que su próximo show tendrá una impronta más íntima y autobiográfica, incluyendo nuevas canciones como “La vida es un juego” y “Uno entre mil”, inspiradas en su vivencia reciente. También abordará temas como el amor y la búsqueda interior, siempre con toques de humor.

El esperado regreso será el 10 de julio en Niceto Club, el mismo escenario del accidente, acompañado por DJs y presentadores, y continuará dos días después en el Centro Cultural de San Isidro. Trusso destaca la importancia de su entorno espiritual y familiar, especialmente el apoyo de su esposa, Tracy Shanahan, en este proceso de transformación. “Crecés más desde lo difícil que desde la comodidad”, asegura.

Además, quienes tenían entradas para el show suspendido podrán usarlas para este evento. Sobre volver a lanzarse al público, es categórico: “No. “Eso fue un cierre de un período, los 90. Iggy Pop, Juanse… todos se tiraron y siempre terminó mal. Creo que hay que llegar a ese límite para volver a empezar. Y ese fue mi límite. La verdad que cuando lo hacés también buscas un poco hasta dónde vas a llegar, hasta dónde te va a salir bien. La verdad es que fue un delirio, hoy ni llego a entender cómo lo hice. Una locura”.

En el marco de una gira nacional e internacional, Raúl Lavié, una de las voces más emblemáticas de la música popular argentina, llega a nuestra ciudad con su espectáculo “Raíces”, una propuesta artística que trasciende el tango para abrazar los sonidos que marcaron generaciones. La presentación será el viernes 30 de mayo a las 21 horas en el Teatro Gualeguaychu. Las entradas están a la venta en Consumax (25 mayo y Chacabuco) y a través de Ticketway. En la administración de Ahora ElDía, podés conseguirlas con 30% de descuento.

“Raíces” no es un simple recital, es un relato musical donde confluyen las emociones de la historia, las voces del pueblo y las melodías que nos constituyen como argentinos. A lo largo del espectáculo, Lavié -acompañado por un quinteto de jóvenes músicos que aportan frescura y excelencia técnica- interpreta tangos clásicos, canciones populares y piezas folklóricas que dialogan entre sí, revelando el entramado cultural que da forma a nuestra identidad nacional.

“Llamé Raíces a este espectáculo porque tanto las canciones como las personas se nutren de ellas. Las canciones populares, especialmente el tango y el folklore, fueron compuestas por hombres y mujeres del pueblo, gente común que expresó lo que vivía y sentía. En esas letras está nuestro ADN cultural”, explicó Lavié.

A lo largo del show, se podrán escuchar temas de figuras consagradas como Astor Piazzolla, Aníbal Troilo, Eladia Blázquez, Homero Manzi, Homero Expósito y muchos otros creadores que marcaron un antes y un después en la historia de la música argentina.

Lejos de limitarse a la interpretación vocal, Lavié también se toma el tiempo de compartir reflexiones profundas sobre el origen multicultural de nuestra música. “Este país se formó a través de distintas culturas. La inmigración, la influencia afrodescendiente, la llegada de los jesuitas con sus instrumentos europeos. Todo eso confluyó en una mezcla extraordinaria. En los pueblos originarios, por ejemplo, hubo músicos que aprendieron a tocar instrumentos europeos con tal maestría que podían equipararse con artistas de Italia, Francia o Alemania. Y eso es parte de nuestro crecimiento como nación”, comentó con emoción.

La propuesta de “Raíces” también incluye un homenaje al interior del país, a esa Argentina profunda que ha conservado costumbres, acentos y estilos musicales propios. “El folklore tiene una fuerza increíble porque representa a un pueblo que vive de manera distinta al de la ciudad. Las canciones que nacieron en cada provincia cuentan historias locales, y en ellas también está el alma de la nación”, afirmó el artista.

Con 87 años y una trayectoria que abarca más de siete décadas, Raúl Lavié -también conocido como “El Negro” - sigue siendo una figura insoslayable del tango argentino. Ha trabajado en teatro, cine y televisión, y ha llevado nuestra música a los principales escenarios del mundo. Su carrera incluye colaboraciones con los más grandes del género y una presencia ininterrumpida en festivales y eventos culturales tanto en Argentina como en el exterior. Su entrega sobre el escenario sigue siendo total. “Cada vez que subo a un escenario y veo gente emocionada, con lágrimas en los ojos, siento que estoy haciendo lo correcto. Eso es vivir. Y le doy gracias a Dios por haberme permitido seguir haciendo esto que amo”, expresó.

Raíces fue estrenado con gran éxito en el Auditorio Belgrano de la Ciudad de Buenos Aires y ha recibido elogios de la crítica especializada por su sensibilidad, su calidad interpretativa y su capacidad para conectar generaciones a través de la música.

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Un video grabado en la Escuela EPEI N° 23 conmovió profundamente a quienes lo vieron. La protagonista es Ainara, una niña con discapacidad que, en un principio, aparecía seria y retraída durante una clase de música. Sin embargo, al sonar la canción “Eres para mí” de Julieta Venegas, su rostro se transformó por completo: sonrió, se conectó con el entorno y comenzó a participar. El momento fue compartido en redes por su profesor, Rodrigo Ipperi.

Luego de un exitoso 2024, Marcela Morelo, una de las cantautoras argentinas más populares del país comenzará el 2025 con una mega gira por todo el país.

Sin dudas, las canciones de Morelo son escuchadas en cada rincón de Argentina y se han transformado en parte del inconsciente colectivo popular. Sus melodías ejecutadas con instrumentos autóctonos y su dulce voz se conjugan para dar lugar a los clásicos de hoy y siempre.

Durante el 2024 realizó una exitosa gira que incluyó a las ciudades de Rosario, Córdoba, La Plata, Bahía Blanca, Mar del Plata y Catamarca, entre otras, y culminó con un sold out en el Teatro Gran Rex, el emblemático venue de la calle Corrientes.

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Además, lanzó varios temas que se convirtieron en hits como “Lo mismo que a mí”, una reversión de su clásico que interpretó junto a The La Planta y La T y la M y llegó a más de 7.5 millones de reproducciones, convirtiéndose en uno de los temas más escuchados del año pasado.

Las entradas ya están a la venta En Diario El Día, Concordia 1993, con el 30% de descuento.

Su extenso recorrido

Con más de 25 años de carrera, Marcela Morelo ha sabido consolidarse como una de las voces más queridas y respetadas de la música popular argentina. Desde su primer gran éxito con Corazón salvaje en 1997, ha lanzado una decena de discos que la posicionaron tanto en Argentina como en América Latina y España. A lo largo de los años, su fusión de pop con ritmos latinoamericanos como la chacarera, el folklore y la cumbia ha cautivado a varias generaciones. Además de su éxito en los escenarios, ha sido reconocida con múltiples premios, incluyendo discos de oro y platino. Su presencia constante en festivales nacionales y su cercanía con el público hacen de cada show una experiencia única y emotiva.