Netflix presenta el tráiler oficial de Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo, la película que profundiza en la historia personal de Emiliano Martínez como un niño soñador de Mar del Plata que se convirtió en el “Dibu” que hoy todos conocemos, uno de los grandes héroes del fútbol argentino y mundial. El film, que promete emocionar a toda la familia, llegará al servicio el próximo 28 de mayo.

La producción utiliza una narrativa que combina dibujos animados basados en ilustraciones de Liniers, material de archivo personal y entrevistas con el círculo íntimo del arquero, incluyendo a sus amigos de la infancia, familiares y figuras clave en su historia como: Lionel Messi, Lionel Scaloni y Miguel Ángel “Pepé” Santoro. Esta combinación de formatos permite reconstruir el camino de Martínez y los desafíos que enfrentó antes de alcanzar el éxito profesional.

Rodada entre Argentina e Inglaterra durante 2025, la película es una producción de PEGSA liderada por Agustín Pichot, basada en un cuento de Hernán Casciari y dirigida por Gustavo Cova. La historia sigue a un niño que descubre que tiene el poder de detener el tiempo y conversa con una pelota —con la voz de Agustín Aristarán— que le recuerda todos los retos que tiene por delante. Un relato emocional y original sobre cómo su fuerza interior lo llevó a alcanzar la gloria, convirtiéndose en una inspiración para las nuevas generaciones.

El tráiler de la película del “Dibu” Martínez

Fuente: Noticias Argentinas

El director de cine argentino Adolfo Aristarain, falleció este domingo a los 82 años. Uno de los cineastas más importantes de habla hispana dejó una huella imborrable con sus obras audiovisuales, sobre todo en Argentina y España, donde forjó prácticamente toda su carrera.

Las películas de Aristarain se destacaron por la mezcla de géneros entre policial y drama, que daban como resultado reflexiones políticas y éticas. Entre sus hitos más significativos se encuentran Tiempo de Revancha (1981) protagonizada por Federico Luppi, Haydée Padilla, Julio De Grazia y Ulises Dumont; Un Lugar en el Mundo (1992) con Luppi, José de Sacristán, Cecilia Roth y Leonor Benedetto; y Martín Hache (1997) con Roth, Eusebio Poncela y Juan Diego Botto; entre otros films.

Antes de ser director de cine, fue asistente en más de 30 películas, incluyendo producciones internacionales como Érase una vez en el Oeste de Sergio Leone. Vivió y trabajó muchos años en España, sin dejar de hacerlo en su propio país. Sin embargo, fue en Europa donde recibió el último reconocimiento a su trayectoria: en el año 2024, la Academia de Cine española le otorgó la Medalla de Oro.

Su película Un lugar en el Mundo ganó la Concha de Oro en San Sebastián y el Goya a la mejor película extranjera de habla hispana.

Fuente: NA.

Luis Brandoni, quien falleció hace pocos días, dejó grabada la segunda parte de su serie con Robert De Niro, Nada, según confirmaron los realizadores de la ficción. Los directores Mariano Cohn y Gastón Duprat aseguraron que el actor completó el rodaje de la secuela, titulada Todo, que llegará en poco tiempo a Disney+.

Esta nueva entrega de la comedia traslada su escenario principal desde Buenos Aires hacia la ciudad de Nueva York. El protagonista tendrá su actuación póstuma en la serie, tal como sucederá con su participación especial en El encargado, protagonizada por Guillermo Francella.

La filmación de los episodios se llevó a cabo durante septiembre del año pasado en un clima de total silencio profesional por parte de la producción. “Nos dejó este último regalo que lo trasciende y lo hace aún más grande”, manifestaron los creadores sobre el trabajo final del actor que se convirtió en una emocionante sorpresa.

En esta secuela, el personaje de Manuel Tamayo Prats, interpretado por Brandoni, abandona la situación de escasez para explorar un mundo de muchísima abundancia económica. La trama contará nuevamente con Majo Cabrera como Antonia y la estrella internacional Robert De Niro, quien vuelve como el narrador y fiel amigo Vincent Parisi.

La noticia sacudió este martes al mundo del cine argentino: Luis Puenzo, guionista, director, productor y figura central de la cultura nacional, murió en Buenos Aires a los 80 años. La confirmación llegó a través del comunicado oficial de Argentores, la entidad que nuclea a autores cinematográficos: 

“Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció hoy, en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años de edad. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento.” 

Las palabras, secas y sinceras, sellan el final de una vida dedicada a contar historias y a pelear por la memoria en la pantalla grande.

El nombre de Luis Puenzo quedó grabado en la historia grande del cine argentino, sobre todo desde 1985. Ese año, su película La historia oficial encendió por primera vez los proyectores y nada volvió a ser igual. No era solo cine: era un espejo. Rodada en un clima de miedo, bajo amenazas, cuando todavía retumbaban los ecos de los represores y no se sabía hasta dónde podía llegar el peligro, la película llegó al público apenas dos años después del regreso de la democracia. Muchos salieron de la sala con algo roto, o tal vez con una nueva claridad: por fin se hablaba en voz alta de lo que durante años había sido susurro de paredes, de lo que había sucedido en los años del horror.

La historia oficial se convirtió en bandera. No solo por lo que contaba, sino por cómo lo hacía: la tensión flotaba sin necesidad de golpes bajos ni violencia explícita. Bastaban las miradas, los silencios, la fragilidad de Norma Aleandro metida en la piel de Alicia, una profesora de historia que comenzaba a dudar de todo. 

El final sigue dejando sin aliento: Alicia enfrentando a su esposo, escapando de su casa, mientras Gaby canta sola “En el país de Nomeacuerdo”. Un tema infantil convertido en símbolo de la identidad robada. Lo que pocos sabían entonces era que el rodaje había empezado en 1983, con la dictadura todavía en el poder, el equipo reducido y el temor recorriéndolo todo. Algunos actores recibieron amenazas, pero siguieron adelante. Estrenaron dos años después, cuando ya la democracia intentaba sanar heridas abiertas.

El impacto fue inmediato y mundial. Al año siguiente, La historia oficial ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera, el primero para el cine argentino. Puenzo subió al escenario y dijo, con voz firme: “Aceptando este honor, no puedo olvidar que otro 24 de marzo, hace diez años hoy, sufrimos el último golpe militar. Nunca olvidaremos esa pesadilla, pero ahora estamos empezando ahora a dar comienzo a nuestros nuevos sueños”. La película también ganó el Globo de Oro, el Cóndor de Plata y fue premiada en Cannes. Puenzo y su coautora, Aída Bortnik, recibieron además la nominación al Oscar al Mejor Guion Original.

Antes de los grandes premios y del reconocimiento mundial, Puenzo ya había mostrado su vocación narrativa. Nacido en Buenos Aires el 19 de febrero de 1946, comenzó su carrera en la publicidad en los años 60. Fundó su propia productora, Luis Puenzo Cine, y ahí, entre cortos y comerciales, fue puliendo ese estilo directo, emocional, que después llevaría al cine.

Su debut como director y guionista de largometrajes se dio en 1973, con Luces de mis zapatos, una película infantil protagonizada por Norman Briski. Poco después, dirigió el segmento Cinco años de vida en el film colectivo Las sorpresas (1975).

La trayectoria de Puenzo no se detuvo tras el éxito internacional. Dirigió y escribió Gringo viejo (1989), adaptación de la novela de Carlos Fuentes, con Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en la Revolución Mexicana. En 1992, filmó La peste, basada en la obra de Albert Camus, con William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá. Ya en 2004, rodó entre Argentina y España La puta y la ballena, protagonizada por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón.

Además de cineasta, Puenzo fue un activo defensor de la industria audiovisual argentina. En 1994 participó en la redacción de la Ley de cine (ley Nº 24.377/94), que dio autarquía y financiamiento al INCAA. Fue uno de los fundadores de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina en 2004 y, entre 2019 y abril de 2022, presidió el INCAA.

Cuarenta y un año después del estreno de La historia oficial, la búsqueda de la verdad que abrió la película sigue viva. El film dejó nombres, cuerpos y heridas en la memoria colectiva. Alicia, Gaby, las miradas y los silencios. Lo que alguna vez fue peligroso nombrar, hoy es parte fundamental de la historia argentina y del legado de Luis Puenzo.

Fuente: Infobae

Cada 24 de marzo, la Argentina recuerda el Día Nacional de la Memoria por la Verdad y la Justicia, una jornada que invita a mirar al pasado y recordar lo sucedido durante la última dictadura cívico‑militar, además de sostener el compromiso con los derechos humanos a 50 años del golpe.

En ese contexto, el cine se convierte en una herramienta clave para acercarse a los hechos, sus protagonistas y las consecuencias que todavía atraviesan a la sociedad que no olvida a sus desaparecidos. Tanto el arte, las películas y las obras de teatro traen ese momento a nuestras vidas para que las nuevas generaciones entiendan lo que sucedió y para que las viejas no repitan la misma historia.

Entre las producciones más recientes se destaca “Argentina, 1985”, dirigida por Santiago Mitre y protagonizada por Ricardo Darín. Esta película reconstruye el juicio a las Juntas militares y muestra el trabajo del fiscal Julio Strassera y su equipo en un momento decisivo para la democracia; algo que hoy es moneda corriente, en ese momento fue un acto de justicia social y democrática.

Otro título central es “La noche de los lápices”, que relata el secuestro de estudiantes secundarios en 1976. Este film está basado en hechos reales, ya que la historia expone cómo la represión alcanzó a jóvenes militantes y se convirtió en uno de los relatos más representativos sobre ese período.

Por otro lado, el documental “El silencio de otros” aporta una mirada internacional: aunque aborda los crímenes del franquismo en España, establece un vínculo directo con la experiencia argentina en la búsqueda de Memoria, Verdad y Justicia.

Desde otro enfoque, “Crímenes de familia”, con Cecilia Roth, no trata de forma directa la dictadura, pero permite pensar las tensiones sociales y el funcionamiento de la justicia en la actualidad.

En el recorrido por el cine nacional aparecen obras fundamentales como “Tiempo de revancha”, que refleja el clima de persecución y miedo en aquellos años. Asimismo, “La historia oficial” logró visibilizar la historia de aquellas mujeres que no sabían la identidad de sus hijos y la conciencia sobre los desaparecidos a nivel internacional; marcó un hito en el cine argentino al ser la primera película argentina en ganar un Oscar a “mejor película extranjera”.

También se suma “Juan, como si nada hubiera sucedido”, que investiga un caso de desaparición y expone las contradicciones de los responsables en un contexto de silencio e impunidad.

La crudeza del sistema represivo aparece en “Garage Olimpo”, que muestra el funcionamiento de un centro clandestino de detención, mientras que “Los rubios” propone una mirada personal sobre la memoria y la identidad desde la experiencia de una hija de desaparecidos.

Por último, “El juicio” recupera material de archivo del proceso a las Juntas militares y construye un relato que vuelve a poner en primer plano uno de los momentos más importantes de la historia democrática argentina.

Estas películas y documentales permiten abordar distintas dimensiones de la dictadura, como el terror, la resistencia, la búsqueda de justicia y las marcas que aún persisten. Por esa razón, es a través del cine que el 24 de marzo se transforma en un ejercicio activo de memoria que busca mantener vigente el “Nunca Más”. 

Fuente: Agencia NA

El actor estadounidense Chuck Norris falleció a los 86 años tras haber estado hospitalizado en Hawái, aunque se desconocen las causas que ocasionaron su deceso.

“Con profunda tristeza, nuestra familia comparte el repentino fallecimiento de nuestro querido Chuck Norris ayer por la mañana -refiere al jueves-. Si bien deseamos mantener la privacidad de las circunstancias, les informamos que estaba rodeado de su familia y descansaba en paz. Para el mundo, fue un artista marcial, actor y un símbolo de fuerza”, se indicó en un comunicado publicado en su cuenta de Instagram.

En tanto, el texto sostuvo: “Para nosotros, fue un esposo devoto, un padre y abuelo amoroso, un hermano increíble y el corazón de nuestra familia. Vivió su vida con fe, propósito y un compromiso inquebrantable con las personas que amaba. A través de su trabajo, disciplina y bondad, inspiró a millones de personas en todo el mundo y dejó una huella imborrable en muchas vidas”.

En el mismo escrito, el círculo íntimo relató cómo atraviesan la pérdida del reconocido artista: “Mientras nuestros corazones están rotos, estamos profundamente agradecidos por la vida que vivió y por los momentos inolvidables que tuvimos la bendición de compartir con él. El amor y el apoyo que recibió de los fans de todo el mundo significaban mucho para él, y nuestra familia está realmente agradecida por ello. Para él, no solo eran fans, eran sus amigos”.

“Sabemos que muchos de ustedes habían oído hablar de su reciente hospitalización, y estamos realmente agradecidos por las oraciones y el apoyo que le enviaron. Mientras lamentamos esta pérdida, pedimos amablemente privacidad para nuestra familia durante este tiempo. Gracias por amarlo con nosotros”, cerró el escrito.

En el marco del cierre del receso de verano, el Gobierno de Gualeguaychú lleva adelante la propuesta “En modo cine”, una actividad pensada para compartir una tarde de película y encuentro en distintos barrios de la ciudad generando espacios recreativos accesibles y fortaleciendo los vínculos comunitarios antes del inicio del ciclo lectivo.

La primera función se realizará el jueves 19 de febrero a las 18:30 horas en el Galpón Anhelado Sueño, ubicado en la intersección de Rioja y Massaferro. La segunda jornada tendrá lugar el jueves 26 de febrero, también a las 18:30 horas, en el SUM del Barrio Munilla, en Chalup 567.

La propuesta es organizada por el Área de Protección de la Niñez, la Adolescencia y la Familia, dependiente de la Secretaría de Desarrollo Humano, y está destinada especialmente a niños, adolescentes y sus familias, con el objetivo de promover espacios de disfrute, participación y convivencia en cada barrio.

El Ficer Forum es el espacio para la industria audiovisual que se presenta en la séptima edición del Ficer -iniciativa del Instituto Autárquico Audiovisual de Entre Ríos (Iaaer)- y está destinado a proyectos de primeras y segundas películas en fase de desarrollo, para cineastas de Entre Ríos, Santa Fe, Corrientes, Misiones, Chaco, Formosa y Córdoba. Tiene el objetivo de fomentar la producción de cine en la región y se inscribieron más de 75 propuestas en una convocatoria abierta, de las cuales 12 fueron seleccionadas y compartirán mesas de conversación, rondas de negocios, conferencias y una sesión de pitching (presentación breve).

Proyectos seleccionados

- Con locura y pasión, con dirección de Matías Gabriel Amuedo. Productora: Camila Belén Vera (película -  Córdoba).

- Tetas, con dirección de Angélica Germanetti. Productoras: María Antonella Riga y Fernanda Rocca, (Córdoba).

- Todo bien igual (largometraje de ficción en desarrollo), con dirección y producción de Victoria de Michele (Entre Ríos).

- Rumores (carpeta de proyecto), con dirección de Thomas Voloder Antenucci. Producción: Mateo Osorio (Entre Ríos).

- Agua colorada (proyecto de largometraje de ficción), con dirección de Julio Olmedo. Producción: Agustín de Torres (Entre Ríos).

- Tornado del 97, un filme de Paula Florencia Burna Elstner. Producción: Julieta B. Gómez (Entre Ríos).

- Silvestre, de Elián Guerin. Con producción de Andrés Tes (oficial NEA).

- Perla guaraní, de Gabriela Pastor. Producción: Ariana Aisemberg (oficial NEA).

- Puente Ojo, dirección de Josefina Lens. Producción: Eduardo Bustamante (oficial NEA).

- Apartado del camino, con dirección y producción de Miler Blasco (Santa Fe).

- Los amantes que no sabían demasiado. Directores Baltasar Albrecht y Gastón del Porto. Producción: Arturo Castro Godoy (Santa Fe).

- Combustible (largometraje en desarrollo), dirección de Victoria Sáez. Productores Jaquelina Molina y Agustín Falco (Santa Fe).

A ellos se suma la selección de otros 14 proyectos más, en carácter de invitados, que accederán como premiación a servicios profesionales para sus propuestas. Entre ellos se encuentran, por ejemplo, “La suspensión del tiempo”, de Marina Layana, “Un ascensor sospechosamente grande”, de Augusto Robert Vaudagna y Julián López, y “En la piel del familiar” de Emilio López y Bárbara Volpatti. El encuentro y las actividades entre los postulantes se desarrollarán a lo largo de las tres primeras jornadas del festival.

Diversos sectores de la industria audiovisual y organizaciones políticas se movilizaron este martes frente al INCAA, en el centro porteño, para rechazar el anuncio del Gobierno de cerrar el canal Cine Ar y avanzar en una eventual privatización de la plataforma de streaming Cine Ar Play, en medio de recortes en el área.

“¡No al cierre de Cine.Ar! El ajuste cultural es un ataque a la producción nacional, al acceso al cine popular y al derecho a la cultura. Acompañamos el reclamo y exigencia de la reapertura inmediata de Cine Ar TV y la plataforma Cine.ar Play”, expresó el diputado del Frente de Izquierda Alejandro Vilca, que participó de la protesta.

El legislador reclamó que “se garanticen los puestos de trabajo en INCAA, sin despidos ni ‘retiros voluntarios’ forzados. Necesitamos inversión pública para cultura nacional independiente. Hay que enfrentar a este gobierno ahora”, completó.

¡No al cierre de https://t.co/wvf9ehqOuQ!El ajuste cultural es un ataque a la producción nacional, al acceso al cine popular y al derecho a la cultura.Acompáñamos el reclamo y exigencia de la reapertura inmediata de https://t.co/uYdNq8RVuh TV y la plataforma… pic.twitter.com/gKzUnIV8QI

Junto a Vilca se movilizaron otros dirigentes del FIT como Myriam Bregman, candidata a diputada nacional por la ciudad de Buenos Aires.

Las asociaciones que integran el Espacio Audiovisual Nacional (EAN), entre las cuales están Argentores, Asociación de Productores/as Independientes de Medios Audiovisuales (APIMA) y el Colectivo de Cineastas (CAC), entre otras, se movilizaron a las puertas del INCAA, en Lima 319 del centro porteño.

“En un contexto en el que las salas están monopolizadas por producciones internacionales, cerrar y privatizar estos espacios significa literalmente la negación de la diversa producción audiovisual nacional y el acceso a nuestra cultura por parte de la sociedad”, advirtió EAN en un comunicado.

Creada en 2015, la plataforma de Cine Ar tiene actualmente más de 2,6 millones de usuarios registrados en la Argentina y en el exterior y es el único servicio de streaming gratuito de cine nacional.

Robert Redford, una de las máximas y más prolíficas estrellas y símbolo de la industria cinematográfica mundial, murió este martes a los 89 años en su residencia de Utah, Estados Unidos.

Redford, reconocido por una carrera de seis décadas en el cine y por su impulso al cine independiente, murió en la mañana del martes mientras dormía, informó Cindi Berger, representante de su firma de relaciones públicas a The New York Times.

La megaestrella de 89 años nació en Santa Mónica, California, y estudió pintura en la Universidad de Colorado mediante una beca deportiva. Ingresó posteriormente a la Academia Estadounidense de Arte Dramático, debutando en Broadway en 1959.

Su carrera cinematográfica despegó en la década del sesenta con títulos como Inside Daisy Clover, This Property is Condemned y The Chase.

Más tarde protagonizó Descalzos en el parque junto a Jane Fonda, quien recordó estos trabajos durante el Festival de Venecia al afirmar: “Fue divertido besarlo en mis 20 y volver a hacerlo en los 80”.

El fundador de Sundance Film Festival consolidó su legado impulsando obras emblemáticas y oportunidades para directores emergentes durante cuatro décadas en la industria (EFE/Sebastien Nogier)

El enfoque de Redford fue más allá de la actuación, participando tanto en películas de corte político como The Candidate y All the President’s Men, ambas mencionadas por The New York Times como fundamentales en su filmografía.

La estrella se consolidó entre 1974 y 1976 como uno de los actores de mayor convocatoria en la industria estadounidense, participando en tres de las películas más taquilleras de 1974.

La relación profesional del actor con el director Sydney Pollack se tradujo en la colaboración en siete largometrajes, incluido Jeremiah Johnson y Out of Africa.

Uno de los papeles más emblemáticos de Redford en la gran pantalla fue el de Sundance Kid en Butch Cassidy and the Sundance Kid, película dirigida por George Roy Hill en 1969, donde compartió protagonismo con Paul Newman.

A lo largo de su carrera, Redford participó en películas emblemáticas como "Butch Cassidy and The Sundance Kid", consolidando su estatus de estrella (Shutterstock)

Este filme no solo consolidó su popularidad internacional, sino que además daría nombre años después al Sundance Institute y su festival homónimo, ambos dedicados al impulso del cine independiente en Estados Unidos.

The New York Times destacó el trabajo de Redford como director, iniciándose con Ordinary People, que obtuvo cuatro premios Oscar, incluido el de mejor película.

Entre sus filmes dirigidos figuran Quiz Show, A River Runs Through It y The Milagro Beanfield War, todos mencionados por distintos medios internacionales.

El compromiso de Robert Redford con la industria se extendió a la fundación del Sundance Institute en 1979, organización dedicada a apoyar el cine independiente y que dio origen al Festival de cine de Sundance, uno de los eventos de mayor proyección para el cine alternativo en Estados Unidos. La revista Time lo nombró en 2014 el “padrino del cine independiente”.

Como director, Redford fue galardonado con cuatro premios Oscar por su ópera prima Ordinary People, demostrando versatilidad y liderazgo detrás de cámaras (Anne-Christine POUJOULAT/AFP)

En sus últimos años, continuó actuando, con papeles en títulos como All is Lost, Pete’s Dragon, The Old Man & The Gun y en el universo Marvel, dando vida a Alexander Pierce en Captain America: The Winter Soldier y Avengers: Endgame.

Robert Redford fue reconocido por la Academia de Hollywood con un Oscar honorífico en 2002 y galardonado por el gobierno estadounidense con la Medalla Presidencial de la Libertad en 2016.

También protagonizó producciones notables como The Hot Rock, una comedia de atracos dirigida por Peter Yates, y The Natural, donde interpretó a un legendario beisbolista en busca de redención.

Su papel en Brubaker, drama carcelario dirigido por Stuart Rosenberg, le permitió abordar temas sociales de gran impacto.

El legado de Redford en el cine trasciende su propia filmografía: su influencia en la industria independiente redefinió caminos para realizadores jóvenes y consagrados (REUTERS/Fred Prouser)

En Three Days of the Condor, encarnó a un investigador de la CIA dentro del género de suspenso político, ampliando su presencia en producciones que combinaban denuncia y entretenimiento.

En Legal Eagles, compartió pantalla con Debra Winger y Daryl Hannah, explorando el género de la comedia criminal.

Otro de sus éxitos, The Great Waldo Pepper, lo llevó a interpretar a un piloto de acrobacias en la posguerra, consolidando su versatilidad en distintos registros cinematográficos.

En Indecent Proposal, junto a Demi Moore y Woody Harrelson, asumió uno de los papeles más recordados en el cine comercial de los años 90.

Además de su éxito en Hollywood, Robert Redford fue reconocido con la Medalla Presidencial de la Libertad y un Oscar honorífico por su trayectoria (Paramount Pictures

A lo largo de su vida, Robert Redford se identificó también con el activismo ambiental y los derechos civiles. Recibió numerosos reconocimientos por su labor fuera de la pantalla, entre ellos el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y la Legión de Honor francesa.

Este jueves 4 de septiembre a las 21:15 horas, Gualeguaychú Cinema será el escenario de una experiencia única para los amantes del terror: el esperado estreno de El Conjuro 4, acompañado de una impactante puesta en escena con personajes en vivo que recorrerán los distintos espacios del cine.

“Con esta propuesta, Gualeguaychú Cinema reafirma su compromiso de brindar experiencias cinematográficas inmersivas. Desde el año pasado, el cine ha impulsado avant premieres y acciones especiales que transforman cada función en un evento inolvidable para el público local”,expresaron desde la gerencia.

En esta ocasión, la experiencia contará con la participación especial del grupo de actores de Teatro Rogelio Fuentes, quienes serán los encargados de dar vida a los escalofriantes personajes que acompañarán el estreno.

¿Qué podrán vivir los asistentes?

Una puesta en escena inmersiva que hará que la noche se convierta en una verdadera historia de terror con personajes en vivo para poner la piel de gallina.

Estreno exclusivo de El Conjuro 4, la nueva entrega de la saga que aterroriza al mundo (comprando entrada previamente para función de 22.15horas). Entradas ya disponibles: abierto tanto para socios Cinema Club como para el público en general.

En el lanzamiento de esta nueva edición, las autoridades presentaron las bases donde los productores pueden inscribir sus películas -en sus dos secciones competitivas, largos nacionales y cortos entrerrianos- y de proyectos. La convocatoria estará abierta del 12 de agosto al 1 de octubre, y los formularios están disponibles en la web oficial.

El presidente del Instituto Autárquico Audiovisual de Entre Ríos (Iaaer), Maximiliano Schonfeld, explicó que "este año tenemos el Ficer Forum que tiene el objetivo de acompañar a nuevos talentos y contribuir a la proyección de realizadores emergentes de la región, y que otorgará premios monetarios y en servicios profesionales".

En tanto, el secretario de Cultura, Julián Stopello, indicó que "el festival tiene un espíritu claro de cruce de las artes y es un motor de desarrollo y de la industria muy importante para el cine entrerriano". Este año el Ficer amplía su presencia en la ciudad de Paraná incorporando nuevos puntos de exhibición como el Cine Las Tipas, incorporado como sede en 2024; y el Cine Círculo, acercando el festival a nuevos públicos. A estas salas se añaden las sedes ya tradicionales: Centro Provincial de Convenciones, La Vieja Usina y el Iaaer.

Además, el festival ofrecerá actividades especiales, funciones para toda la familia y su ya clásico patio gastronómico, que volverá a ser un punto de encuentro para visitantes, realizadores y público en general.

Este viernes 18 de julio, el Salón de Usos Múltiples (SUM) del barrio La Cuchilla se llenó de alegría, risas y emoción con la actividad “Vacaciones y cine en La Cuchilla”, una propuesta pensada para las infancias durante el receso escolar. La jornada, organizada por el CAPS Cuchilla, ofreció una tarde distinta para compartir en familia y fortalecer los vínculos comunitarios.

La iniciativa, que había sido reprogramada por cuestiones climáticas, logró concretarse con una cálida convocatoria de niños del barrio que se acercaron a disfrutar de una película especialmente seleccionada para su edad. En un ambiente cuidado y acompañante, se vivió un momento de encuentro que combinó entretenimiento, contención y alegría.

El evento formó parte de una serie de actividades impulsadas desde el Municipio para promover espacios recreativos en distintos puntos de la ciudad durante el receso invernal. En este caso, se buscó acercar una propuesta cultural gratuita al SUM de La Cuchilla, con el objetivo de garantizar el derecho de los más chicos a disfrutar de su tiempo libre en su propio barrio, rodeados de vecinos, amigos y referentes del territorio.

Además de la proyección cinematográfica, la jornada fue también una oportunidad para que los más pequeños compartieran un momento de esparcimiento, fortaleciendo lazos comunitarios y generando un entorno positivo para el desarrollo emocional y social de las infancias. El trabajo articulado entre las áreas municipales y los actores barriales hizo posible una experiencia significativa, accesible y enriquecedora para todos los presentes.

La plataforma Paramount presentó el primer adelanto de “La Pistola Desnuda”, una película que ha estado en proceso durante más de una década.

La nueva versión de “The Naked Gun” (La Pistola Desnuda) se conoció este jueves, gracias al primer adelanto de la película por parte del estudio Paramount Pictures. 

El actor Liam Neeson será el teniente Frank Drebin Jr., hijo del icónico personaje de comedia interpretado por Leslie Nielsen en la historia original. 

First trailer for #TheNakedGun reboot starring Liam Neeson In theaters August 1 pic.twitter.com/Cu6M3lcuFe

Antes de ver la luz en los cines este 1 de agosto, la obra audiovisual tuvo un proceso de más de una década. Entre los actores que coprotagonizan la película se destacan Pamela Anderson, Paul Walter Hauser, CCH Pounder, Kevin Durand, Cody Rhodes, Liza Koshy, Eddie Yu y Danny Huston. 

Esta entrega fue producida por Seth MacFarlane (Padre de Familia / Ted) y Erica Huggins, mientras que Schaffer y Daniel M. Stillman participaron como productores ejecutivos. Incluso, en un primer momento, se tenía planeado que fuera protagonizada por Ed Helms.

Con respecto a la franquicia original, creada por David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker, comenzó en 1988 con “The Naked Gun: From the Files of Police Squad!”, que logró convertirse en un clásico del cine de comedia. Gracias al éxito de la primera entrega, la saga tuvo dos secuelas: “The Naked Gun 2½: The Smell of Fear” (1991) y “The Naked Gun 33⅓: The Final Insult” (1994).

La fama, los contratos millonarios y las adicciones son algunos de los temas que aparecen en Better Man, la biopic que muestra las facetas más ocultas de Robbie Williams. La película, que estrenó en cines argentinos este jueves 27, no solo narra el éxito del cantante, sino que se centra en su sufrimiento y en una frase que le retumba en la cabeza: “Sos un Don Nadie”.

Lo más curioso del film biográfico dirigido por Michael Gracey -que se estrena este jueves 27 de febrero- es que el artista aparece todo el tiempo en la piel de un mono. Si bien para muchos puede parecer ridículo, esta representación fue aceptada por el músico británico ya que él se veía a sí mismo como este animal.

En sus 2 horas y 15 minutos de duración, Better Man hace un repaso por las canciones de Robbie que se convirtieron en hits como “Rock DJ”, “Feel” o “Angels”. Pero también muestra el lado oscuro de esos éxitos: detrás había una persona que sufría por amor, atravesaba adicciones, depresión, el abandono de un padre, y el dolor por haber cumplido su sueño de la infancia pero sentirse vacío por dentro.

Para relatar la historia personal con lujo de detalles, Michael Gracey tuvo entrevistas con Williams durante un año y medio, tal como contó en una reciente nota con Deadline. Fue en esas charlas que el también guionista se dio cuenta de que el artista repetía que lo habían “arrastrado para actuar como un mono”.

El cantante se veía a sí mismo como un “mono actor”. Esa percepción surgió desde muy chico cuando se enteró de que buscaban cantantes para una boyband. Quedó en el casting y a los 17 años empezó con Take That, el grupo que lo catapultó a la fama y que lo introdujo en sus problemas con las drogas. Con el tiempo se hartó de que lo subestimaran o de tener que hacer bailes ridículos en el escenario y a sus 21 aceptó la idea de irse de la banda para convertirse en un solista multimillonario.

Aquel hombre que llegó al mundo en febrero de 1974 en Reino Unido, siempre tuvo en su mente la presión de su papá, Peter Williams. Él le decía que para ser famoso tenía que nacer con “eso”, y sino, sería un “Don Nadie” por el resto de su vida. Esta idea lo atormentó por completo a tal punto de llegar a su adultez y creer que era “feo”, “estúpido” y que no tenía “talento”.

Esa voz interior que le decía “no servís” lo acompañó en grandes momentos de su carrera. Pero, ante sus fanáticos y los medios de comunicación se mostraba arrogante y extrovertido. “Soy más rico de lo que jamás había soñado”, dijo durante una rueda de prensa en 2002 después de firmar contrato por 125 millones de euros con la discográfica EMI.

A finales de los 90 y principios de los 2000, Robbie había alcanzado la fama que anhelaba. Los reflectores lo iluminaban, las cámaras lo perseguían y tenía ese “talento” que tanto le exigía su papá. Incluso, dio tres shows en Knewborth, el lugar de sus sueños, y reunió en total a más de 300 mil fanáticos. Sin embargo, por dentro, su depresión, ansiedad y sus adicciones lo consumían cada vez más.

Algo que destaca a Better Man es la excelencia para mostrar cómo un sueño cumplido puede convertirse en una pesadilla. Por un lado, se ven los millones que ganaba el músico, los conciertos enérgicos que daba y sus discos con éxitos en las ventas. Pero en su mente tenía las angustias sin resolver y esa sensación constante de ser “poca cosa”.

Michelle Trachtenberg, estrella de Gossip Girl y Buffy, la cazavampiros, murió a los 39 años. La triste noticia fue confirmada por fuentes policiales al medio estadounidense The New York Post. Según las autoridades, la muerte no está siendo investigada como sospechosa.

En los últimos meses, la artista había hecho varios posteos que preocuparon a sus más de 800 mil seguidores, quienes señalaron que Trachtenberg se veía mucho más delgada y con aspecto frágil. Después del debate, la actriz usó su cuenta oficial para asegurar que se encontraba “feliz y saludable” y desmintió haberse sometido a una cirugía estética.

Una semana atrás, la actriz realizó la que sería su última publicación en Instagram. “Quería parecer una Tinkerbell (Campanita, de Peter Pan) traviesa”, escribió acompañando una sesión de fotos del pasado.

Quién era Michelle Trachtenberg

La joven, que nació en Nueva York el 11 de octubre de 1985, comenzó a dar sus primeros pasos en la actuación cuando era muy chica. A los nueve años debutó en Las aventuras de Pete y Pete, una clásica serie de Nickelodeon de los años 90 en la que le dio vida a la peculiar Nona F. Mecklenberg. Más tarde, en 1996, protagonizó Harriet la espía y su fama no dejó de crecer.

A finales de los 90 se puso en la piel de Dawn Summers, la hermana de la protagonista de Buffy, la cazavampiros. Más tarde, fue Georgina Sparks, un personaje frío y calculador que conquistó a los fanáticos de Gossip Girl.

En 2021, la artista publicó un mensaje críptico en sus redes y acusó a Joss Whedon, creador de Buffy y director de Avengers, de haberla agredido físicamente durante los rodajes de la serie. Además, aseguró que durante las grabaciones había una “regla” que no permitía que el director estuviera sola con ella en el set. En una entrevista con The New York Magazine, Whedon desmintió esas acusaciones.

Fuente: TN

Con el 40 aniversario de la primera película de la trilogía de Volver al Futuro, programado para el 3 de julio de 2025, este anuncio llega como parte de las celebraciones que se están planificando para conmemorar la fecha. Bob Gale, uno de los creadores originales de la saga, confirmó que el nuevo título está en desarrollo, y si bien expresó su entusiasmo, no reveló mayores detalles. “Tenemos una oportunidad con un nuevo videojuego basado en Volver al Futuro. No quiero decir más que eso porque no se me permite, pero esto es algo que he querido por mucho tiempo”, comentó en una reciente entrevista.Este proyecto representa una nueva esperanza para los fanáticos del DeLorean, Marty y el Doc Brown, quienes nunca pudieron disfrutar de un título que esté a la altura de las clásicas películas. A pesar de que Volver al Futuro tuvo varios videojuegos a lo largo de la historia, como “Back to the Future: The Game”, lanzado por Telltale Games en 2010, muchas de estas experiencias no lograron capturar completamente la esencia de la saga protagonizada por Michael J. Fox.

El juego de Telltale, que continuaba la historia seis meses después de Back to the Future III, recibió críticas positivas y contaba con la participación de los actores originales, lo que dejó una buena impresión entre los seguidores.

Aunque el nuevo título está en desarrollo, los detalles sobre el género, el estudio encargado y la fecha de lanzamiento todavía están por confirmarse. Sin embargo, se espera que más información sea revelada a medida que se acerque el cuadragésimo aniversario de la película. Además del videojuego, Gale mencionó que también se están planeando varios eventos y un documental sobre el making of del musical inspirado en la película.

Mientras, los fanáticos están ansiosos por saber más sobre este nuevo proyecto y esperan que logre capturar la magia y el espíritu aventurero que hicieron famosa a la saga. Con el regreso de Marty McFly y Doc Brown a través de un nuevo videojuego, parece que hay mucho contenido emocionante en camino para celebrar esta querida franquicia. 

David Fincher demostró con su filmografía que es un maestro del género thriller. Películas como Fight Club (1999) Zodiac (2007) y Gone Girl (2014) dan cuenta de ello. Pero si nos remontamos a 1995 sus pergaminos eran mínimos: algunos trabajos en televisión, publicidades y un debut un tanto fallido dirigiendo Alien 3 en 1992. Esta situación hizo que su siguiente proyecto fuese clave para poder despegar, y sin duda que así lo fue. Seven (o Se7en) lo cambio todo.

Seven es una película que le dio una vuelta de tuerca a los thrillers policiales, horrorizando y fascinando por igual a espectadores y críticos. Una historia que exploraba la depravación humana y concluía con un final tan chocante que todavía hoy sigue impactando.

El filme sigue a dos detectives, el veterano (y a punto de retirarse) Somerset (Morgan Freeman) y el joven recién llegado Mills (Brad Pitt) quien se acaba de mudar a la ciudad junto a su esposa Tracy (Gwyneth Paltrow). Somerset y Mills deberán trabajar juntos en la búsqueda de resolver una serie de asesinatos cuya metodología se basa en cada uno de los siete pecados capitales.

El mérito de Fincher reside en haber sostenido la idea original del filme (pese a la presión del estudio New Line Cinema), idea que surgió de la mente del guionista Andrew Kevin Walker.Walker escribió el guion que se convertiría en Seven en 1991, por ese entonces era un aspirante a guionista empleado de una tienda de discos de Nueva York. Sumido en una profunda depresión con un trabajo que odiaba y viendo oportunidades exiguas de entrar en la industria de su profesión, el guion de Seven refleja la gran oscuridad y cinismo experimentado por su creador en ese entonces.

“La idea de asesinatos basados en los pecados capitales fue una reacción de vivir en Nueva York e insertarme en la cabeza de John Doe, podía caminar por las calles y ver cada pecado capital en todas las esquinas de la ciudad. ¿Qué pasaría si alguien demasiado sensible viera estas injusticias?”, reveló Walker en una entrevista con Uproxx.

Seven no sólo desde su historia, sino también a través de su puesta en escena se abraza la idea de que la vida es sombría y sin sentido. La ciudad no tiene nombre, está cubierta por un cielo gris y un constante diluvio, no hay menciones a fechas. Esa falta de especificidad temporal y de lugar en cambio, es contrarrestada por una ciudad plagada de problemas, de violencia explicita y detectives agotados. Un ambiente impregnado de desesperanza y miseria, en palabras del propio detective Somerset: "No creo que pueda seguir viviendo en un lugar que abraza y nutre la apatía como si fuera una virtud".

Un éxito de taquilla, un clásico que 30 años después vuelve a los cines, Seven es sin dudas un filme de referencia dentro del género. Su relevancia a marcado las carreras de quienes formaron parte de ella, Fincher logró hacerse un nombre dentro de la industria, Walker siguió escribiendo guiones, y sus protagonistas continuaron con una filmografía más que respetable.

Nosferatu es un clásico del cine de terror y, en 2025, el director Robert Eggers presenta su versión de esta película que fue exhibida por primera vez en 1922. Eggers –quien dirigió éxitos como La Bruja, El Faro y El Hombre del Norte- ya demostró ser capaz de crear atmósferas inquietantes y claustrofóbicas, valiéndose de precisión histórica, elementos que le sientan de maravillas a esta reimaginación del mítico vampiro. Curiosamente, el tráiler más reciente solo ofrece planos cortos y juegos de sombras del monstruo titular, lo que probablemente signifique que el director se guardará la revelación completa del Conde Orlok para la película.La primera versión de Nosferatu se estrenó en 1922 con la dirección del alemán Friedrich Wilhelm Murnau y fue inspirada en Drácula, la obra de Bram Stoker. Aunque actualmente es una de las películas referentes del terror gótico en su momento no fue tan bien aceptada y, de hecho, fue censurada por plagio luego de que Florence Balcombe, la viuda de Stoker, demandara a Murnau por haber tomado la obra de su esposo como inspiración sin su permiso.La trama y el elenco del nuevo film de EggersEl nuevo film tiene como protagonista a Nicholas Hoult junto a un reparto de nombres bien conocidos como Willem Dafoe y Bill Skarsgård, quien es el encargado de interpretar a uno de los vampiros más recordados en la historia del cine. La historia transcurre en Wisborg, Alemania en 1838 en donde viven Ellen Hutter (Lily-Rose Depp) y su esposo Thomas Hutter (Nicholas Hoult), ambos tienen una vida tranquila y bastante común. Hutter trabaja con un agente inmobiliario quien lo envía a cumplir con una venta en las montañas de Transilvania. Ahí es donde conoce al Conde Orlok (Bill Skarsgård )quien está buscando vender su finca. 

Mientras intenta cerrar el trato, Hutter descubre que tiene la marca de unos colmillos en el cuello lo que lo lleva a descubrir que el Conde Orlok, en realidad es el vampiro Nosferatu quien se obsesionará con su esposa.La película se filmó en los Barrandov Studios, ubicados en Praga, Austria. Las localizaciones de rodaje incluyen el Castillo de Hunyad en Transilvania, Rumanía, el Castillo de Pernštejn, Rožmitál pod Třemšínem y el complejo Invalidovna en República Checa, además de que también podremos ver escenas que fueron rodadas en Lübeck, Alemania. 

El Festival Internacional de Cine de Entre Ríos (Ficer) concretó este sábado su ceremonia de premiación en el Centro Provincial de Convenciones de Paraná. En su sexta edición, el festival se consolidó como el más grande hasta la fecha, con una amplia programación de películas nacionales, regionales, entrerrianas, cortometrajes y proyectos, además de actividades especiales, charlas y talleres.

El jurado de la Sección Oficial, presidido por Rodrigo Moreno, otorgó el premio Fernando Ayala a la película “Senda India”, dirigida por Daniela Seggiaro, como mejor película del festival. La película recibirá un premio de un millón y medio de pesos por parte del Gobierno de Entre Ríos.

Daniela Seggiaro, visiblemente emocionada, agradeció al equipo del festival y a todos los que hacen posible el cine argentino: “Realmente es increíble, en este tiempo de oscuridad, encender pantallas para vernos, encontrarnos para pensar, para brillar, con nuestras pasiones por el cine; es algo maravilloso”.

Por primera vez en el Ficer, el premio Ojo Pez, otorgado por el público, que coincidió con el del jurado, reconociendo a “Senda India” como la mejor película de la Sección Oficial. Una sola primavera, de Joaquín Pedretti, recibió esta distinción en la sección Panorama Regional; Una ciudad de provincia, de Rodrigo Moreno, en Cine Entrerriano; y El viento que arrasa, de Paula Hernández, en Correntada de Cine Argentino.

También en la categoría Cortos Entrerrianos el público coincidió con el jurado. De esta forma, la estatuilla Ojo Pez y el premio Fernando Ayala fueron para “El río siempre fue un color”, de Floriana Lazzaneo y Mariana Lombard. El cortometraje recibirá 800 mil pesos del Gobierno de Entre Ríos.

Además de los premios principales, se entregaron reconocimientos a otros proyectos cinematográficos destacados. El Fondo Nacional de las Artes (FNA) premió a Gastón Calivari por la dirección de su cortometraje “Mientras tanto estoy acá” y el Premio Género DAC reconoció a Laura Casabé por su dirección en “Álbum de familia”.

A su vez, Marilyn Contardi recibió el Premio Tilda Thamar a la trayectoria, por su labor y compromiso con el cine. Esta distinción también fue otorgada a José Luis Rebordinos, director del Festival Internacional de San Sebastián; a la actriz Adriana Aizemberg; y al historiador de cine Fernando Martín Peña.

El Mercado Regional del Ficer también otorgó premios a proyectos en desarrollo y work in progress, impulsando la producción audiovisual en la región. Los ganadores en el primer caso fueron Aguas del Paraná de Martín Servente de Misiones; Los amigos de mis papás, de Romina Tamburello de Santa Fe; Metele suela, de Verónica Gentili, de Misiones; y Ocaso, de Malena Fontana, de Entre Ríos. Los seleccionados en el segundo caso fueron La gente de la ruta, de Lucas Koziarski, de Misiones; y República, prueba y error, de Emiliano Goyeneche, de Entre Ríos. Este último también fue acreedor del Premio Estudio Silver, consistente en un subtitulado al inglés, francés o portugués.

Luego de la gala de premiación, Celina Murga presentó su reciente película El aroma del pasto recién cortado, en la sala mayor del CPC y la noche cerró con la presentación de Silvina López y Marcia Müller en Cancionero Litoral Expandido.